EVOLUCIÓN DE LA COMPOSICIÓN EN EL ARTE GRÁFICO

La composición es la manera en que el artista organiza en su obra los elementos que está representando, para obtener una unidad visualmente armónica.

COMPOSICIÓN EN LA PREHISTORIA

En la pintura rupestre, se nota la intención de dar un sentido de unidad a las pinturas de grupos de animales, escenas de caza o de guerra que los artistas prehistóricos representaban en el interior de las cavernas. Sin embargo, tenían toda la superficie de la caverna disponible para pintar, no había un formato definido.

La verdadera composición artística nace con la arquitectura: cuando dejaron de ser nómadas y comenzaron a construir casas y templos, entonces los primeros artistas tuvieron que poner límites espaciales claros a sus obras, así es como nace la idea de formato: una superficie con dimensiones definidas dentro de la cual el artista debe distribuir las formas de manera armónica.

COMPOSICIÓN EGIPCIA

Cuadrícula egipcia

Los egipcios concebían sus obras según unas dimensiones dadas: los muros de las tumbas. Esto creó la necesidad de ordenar, distribuir y ajustar formas y tamaños, es decir, de componer.

Para esto, idearon un sistema que consistía en una cuadrícula: la composición pictórica de los egipcios tiene un sistema de proporciones basado en la cuadrícula, cuya medida básica era “el puño” (distancia entre los nudillos y la muñeca), también manejaban el “codo pequeño” (cuatro puños) y el “codo real” (cinco puños).

Con estas cuadriculas, no solo lograban representar la figura humana con proporciones adecuadas, sino distribuir las formas en el formato del muro donde estaban trabajando.

COMPOSICIÓN GRIEGA Y ROMANA

La pintura griega que actualmente queda disponible para su estudio, en su mayoría está conformada por frescos en los muros de las construcciones y decoración sobre cerámica.

Las composiciones griegas eran sólidas y centradas. El canon de 7 u 8 cabezas para la estatura de un hombre, se aplicó principalmente a la escultura. En la pintura, se guiaron por ese canon, pero no de manera tan rígida como la retícula de los egipcios.

Los romanos fueron grandes admiradores y continuadores del arte griego. Buscaba expresar el mayor realismo posible. Para lograr la proporción, usaron el canon griego de 8 cabezas para la estatura en la representación de la figura humana. En sus composiciones buscaban ocupar toda el área disponible.

COMPOSICIÓN MEDIEVAL:

Las composiciones responden a un ritmo esquemático repetitivo de figuras estilizadas. Todas las representaciones eran religiosas.

Para conseguir armonía, los rostros de Cristo y los santos representados, estaban coronados por un halo que incluía compositivamente otros círculos concéntricos en su interior, correspondientes al cabello y al rostro de la figura.

COMOPSICIÓN GOTICA

El soporte compositivo gótico es el Retablo, construido a base de paneles acoplados que contienen distintas escenas de la vida de los santos. Estos conjuntos destacan por la estricta simetría en la distribución de las escenas que se agregan hasta componer el conjunto.

Cada escena posee su propia unidad espacial. Se trata de una serie de composiciones menores subordinadas a una gran composición central.

El objetivo no es conseguir realismo sino facilitar al espectador la comprensión de los episodios.

En cada escena predominan fondos dorados, ornamentos y colores fuertes.

COMPOSICIÓN DE LA ESCUELA MONGOLA

En el Siglo XVI se funda la escuela de miniaturistas al estilo persa en todo oriente.

Las miniaturas se desarrollan a manera de tapiz, consisten en varios episodios en donde el detallismo, la idea que se quiere representar y la brillantez de los colores es lo mas importante. No hay pretensiones realistas en la representación del volumen, la luz y el sombreado. 

Todo el espacio disponible se ocupa con la figura central y se complementa con detalles decorativos

COMPOSICIÓN EN LA INDIA

El género dominante de la pintura india a partir del siglo X es la ilustración de manuscritos, en los que se representan episodios narrativos a través de ilustraciones en las que la prioridad es la comprensión del espectador y no el realismo.

A partir del año 1526 se instaura la Dinastía Mongola. De esta época, son características las miniaturas mongolas realizadas a principios del siglo XVIII, en las que se muestra una sorprendente habilidad técnica para la minuciosidad en el dibujo y cuidado del detalle. La representación del espacio y profundidad no tiene importancia.

COMPOSICIÓN EN CHINA

Aunque los temas y formatos usados eran muy variados, generalmente la composición china distribuye equilibradamente en el área disponible las partes densas y los vacíos. Para los pintores chinos, los vacíos tenían gran importancia en las composiciones, al distribuir en el formato los vacíos con áreas densas, lograban equilibrio visual.

COMPOSICIÓN JAPONESA

La composición tradicional japonesa se trata de formatos largos y apaisados que desarrollan narraciones. Consiste en una continuidad de escenas que siguen el orden de los acontecimientos.

Para los artistas japoneses, los elementos naturales tienen gran importancia. A partir del siglo XVIII, la influencia del arte oriental, estimuló la representación de la figura humana como tema central.

COMPOSICIÓN RENACENTISTA

En el Renacimiento comienza el clasicismo pictórico, en el que las composiciones son sólidas y sencillas, en la que la claridad es la norma y suelen tener la simetría como principio básico de equilibrio.

Para representar la figura humana, es muy común la composición piramidal que consiste en un esquema triangular cuya base ocupa todo el lado inferior del formato. Es una composición firme y sólida, la mayoría de los retratos de Rafael, están basados en este esquema

El número de oro, y la proporción aurea ya era conocido desde la antigüedad, pero durante el renacimiento, los artistas comienzan a usarlo sistemáticamente como método de distribución de las formas en el cuadro para garantizar armonía y coherencia en el conjunto.

El rigor geométrico de este principio se combina con la perspectiva matemática para producir obras de supremo equilibrio y perfección compositiva.

Los artistas romanos y florentinos renacentistas componían mediante líneas bien definidas que encerraban y aislaban perfectamente las formas.

En Venecia se dio una escuela de coloristas, que componían mediante el encaje de diferentes masas de color en una unidad cromática que fundía todo el conjunto.

COMPOSICIÓN BARROCA

Durante el barroco (El período barroco se extiende desde finales del siglo XVI hasta finales del siglo XVIII), predomina la técnica del claroscuro. En las composiciones claroscuritos barrocas, las formas se definen por contraste entre la luz y la oscuridad, y los espacios quedan a menudo definidos por la penumbra. El resultado es dramático y teatral: el juego de luces muestra solo una parte de los cuerpos, haciendo que las sombras ocupen un lugar preponderante en la composición. 

La composición barroca típica, se desarrolla a partir de una o varias diagonales que cruzan el lienzo de lado a lado; así como curvas, contracurvas y espirales, con los consiguientes efectos de inestabilidad y fugacidad. Los pintores trazaban las diagonales o curvas en el lienzo, para dibujar las figuras a lo largo de ellas.

El escorzo es otra de las grandes aportaciones del Barroco. Es el arte de representar figuras vistas en un sentido perpendicular u oblicuo al plano del lienzo, con la consecuente disminución de proporciones que reclama la perspectiva; con esto, los artistas representaban profundidad y tridimensionalidad sin tener que recurrir a la perspectiva científica. Los escorzos permiten soluciones compositivas atrevidas que producen resultados espectaculares.

LA COMPOSICIÓN MODERNA

Para los impresionistas, la luz no es un medio para representar objetos a base de claroscuros, la luz determina el color y el color determina la forma. Para los impresionistas la composición es una cuestión cromática, un problema de contrastes entre tonos, buscando la luminosidad real. 

Las composiciones impresionistas carecen de complejidad lineal o estructural: nada de cálculos de puntos de fuga, escorzos, puntos de vista sorprendentes o claroscuros. La composición está en la realidad: en el paisaje, figura o naturaleza muerta que se quiera representar.

El desencuadre

La evolución de la fotografía en esa época, ofreció a los artistas una nueva manera de ver la realidad. Aquellas cámaras no permitían ver el color, pero daban unas imágenes con una espontaneidad que nunca se hubieran planteado los pintores por si mismos: el desencuadre.

Al ver en las fotografías primeros planos sorprendentes, o figuras cortadas por los márgenes, los pintores se dieron cuenta que, para animar y dar frescura a sus composiciones, no hacía falta complicados cálculos geométricos o métodos académicos. Bastaba con desencuadrar la escena.

Los desencuadres son una forma de componer que requiere mas sensibilidad que el encuadre convencional, porque el pintor debe equilibrar entre si los volúmenes, los llenos y vacíos que se reparten al azar sobre el lienzo, atendiendo a su peso visual y no a su importancia temática.

Los seguidores de los pintores impresionistas, se centraron en la expresión por medio del color, componiendo sus cuadros a base de manchas de color puro.

Composición plana

Los seguidores de los pintores impresionistas, se centraron en la expresión por medio del color, componiendo sus cuadros a base de manchas de color puro, sin sombras ni matizaciones. La composición fue tomando cada vez mas una armonía puramente estética y lo representativo perdió importancia. Esto desembocó en los experimentos vanguardistas del arte abstracto.

Las soluciones compositivas modernas, pueden estudiarse mejor en un cuadro cubista que en uno realista. Esto se debe a que las líneas de la composición permaneces visibles. El pintor descompone mentalmente los objetos en sus aspectos mas reconocibles, tomados desde diferentes puntos de vista y los vuelve a organizar en el lienzo según un esquema compositivo arbitrario, no realista. A partir de estos elementos pinta el objeto siguiendo líneas compositivas elegidas por razones estéticas, no representativas. Busca los contrastes entre lo plano y lo volumétrico, lo recto y lo curvo, hasta realizar un objeto análogo al real pero independiente como creación estética.

El cubismo desarrolla composiciones esencialmente formales, basadas en el juego armónico de formas y colores, extraídos de la realidad, pero organizados de manera diferente.

Este es el mismo principio compositivo del arte abstracto, con la diferencia que éste último, no incorpora formas reconocibles, y está enteramente basado en el juego compositivo de colores y formas.