IMPRESIONISMO

El impresionismo es un movimiento artístico francés, especialmente en el género de la pintura. El término “impresionista” se le atribuye al crítico de arte francés Louis Leroy, frente a un cuadro de Monet llamado “Impresión, sol naciente” (1873), en el Salón de Artistas Independientes de París entre abril y mayo de 1874, cuando criticó ante la prensa de la época los 39 cuadros expuestos, llamándolos de manera despectiva “pintores impresionistas”.

Los principales pintores impresionistas que formaron parte de este movimiento, como Claude Monet, Édouard Manet, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro y Vincent Van Gogh, una misma causa los reunió: deshacerse de los códigos estrictos fijados en aquella época por la Real Academia de Pintura y Escultura. Por esto, deciden trabajar en talleres privados, lo que les permite pintar libremente y a su manera.

El impresionismo es un movimiento que busca una nueva representación de la realidad En las obras impresionistas se expresa la impresión visual de las cosas, plasmando la luz y el instante. 

Se considera el primer movimiento artístico de la etapa de la historia del arte conocida como "modernismo", que abarcó desde 1850 a 1950, incluye a todas las corrientes artísticas que se desarrollaron en esos 100 años. El impresionismo fue la primera.

Los pintores impresionistas se centraron en la pintura al aire libre, buscando captar el cambio de la luminosidad al instante.

Al público le costaba aceptar este nuevo estilo, considerándolo vulgar y sin forma, ya que era muy diferente de las referencias clásicas conocidas, por lo que fue muy difícil que los pintores vendieran sus obras. El estilo solo fue aceptado a fines del siglo XX, por lo que muchos pintores no recibieron en vida el mérito que les correspondía.

Los pintores impresionistas fueron respaldados por escritores, con el impresionismo literario el cual hace hincapié en los detalles sensoriales para crear un determinado estado de ánimo o atmósfera.

“Una mañana, uno de nosotros se quedó sin el negro, y fue el nacimiento del impresionismo.“ Auguste Renoir.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA IMPRESIONISTA:

- Se usan colores puros sin mezclar.

- No se ocultan las pinceladas, dando como resultado formas imprecisas que dependen de la luz a la que están sometidas.

- La misma forma cambia dependiendo de la luz arrojada sobre ella, de manera que al cambiar la luz se podían hacer dos pinturas totalmente distintas del mismo paisaje, objeto o modelo.

- Rompe por completo con todas las referencias artísticas conocidas hasta entonces.

- Los impresionistas excluyen el dibujo con contorno y se sugiere el volumen.

- Prescinden de la perspectiva basada en reglas de la geometría, empleando en su lugar una realizada desde el primer plano hasta la línea del horizonte, disminuyendo los tonos para expresar lejanía.

Monet. Impresión, sol naciente. 1873. Cuadro que originó el nombre de Impresionismo

Vincent Van Gogh. Terraza de café por la noche. 1888 

LA HISTORIA DEL ASCENSOR

ANTECEDENTES:

Muchos textos antiguos hablan de elevadores con sistemas de tracción basándose en el mecanismo de la grúa. El arquitecto romano Vitruvio, construyó el suyo en el año 236 A. C. Se Trataba de un dispositivo de elevación para subir cargas de gran peso, que se usaban para golpear y destruir fortalezas.

De igual manera se menciona que Arquímedes construyó un prototipo de elevador con poleas para subir cargas en la antigua Grecia. Los romanos también usaban este tipo de mecanismos de poleas y cuerdas para elevar cargas, especialmente en el circo romano.

Todos consistían en un sistema de poleas con cuerdas a tracción manual; en algunos casos usaban animales para tirar de las cuerdas.

SISTEMA CON ENGRANAJES:

En 1793, en el Palacio de Invierno de San Petersburgo, se instaló un sistema de elevación, basado en un complejo sistema de engranajes, brocas y tornillería de precisión, ideado por el relojero e inventor ruso Ivan Kulibin.

Este sistema de elevación consistía en un asiento cuya base estaba ajustada a un eje, y elevaba el asiento del primer piso al segundo piso del Palacio. Esto permitió que la emperatriz Catalina, quien ya había comenzado a envejecer, pudiera subir al segundo piso sentada en su trono – móvil.

El movimiento giratorio debía realizarse manualmente, solo podía subir un piso y transportar a una sola persona.

ELEVADORES A VAPOR

En 1823 los Ingenieros Burton y Hormer idearon una forma de elevar a un total de 20 personas a unos 37 metros de altura sobre una plataforma con barandillas que llamaron “Cuarto Ascendente”, “Cabina de Ascenso “o “Caja Elevadora”. 

Un motor a vapor permitía que una plataforma subiera y bajara gracias a un sistema de poleas, engranajes y cuerdas conectados al motor, por lo que ya no era necesaria la tracción manual.

La finalidad era que los turistas pudieran disfrutar de las hermosas vistas que ofrecía la ciudad, pero se usó muy poco, ya que existía el temor a que las cuerdas pudieran romperse.

Sin embargo, un motor a vapor que accionara el mecanismo de cuerdas y poleas para subir cargas pesadas era una muy buena idea. Así que se comenzaron a fabricar estos motores a vapor y a instalar plataformas elevadoras para carga en edificios industriales, y varios inventores de la época experimentaban con sus prototipos de “máquinas elevadoras” a vapor.

Patente de un elevador. 1861

Estos elevadores eran muy inseguros, ya que las cuerdas que los sostenían se rompían con facilidad, causando que la plataforma se desplomara. Por eso estas “máquinas elevadoras” solo se usaban para subir y bajar carga y mercancías, en almacenes, fábricas o edificios similares, no se usaban para subir y bajar pasajeros. En varias ocasiones hubo accidentes por la rotura de los cables y el desplomo de las plataformas.

Alrededor de 1850, en una fábrica de muebles de nueva York hubo un accidente con el desplomo de una de estas plataformas elevadoras de mercancía. Mr. Newhouse, el propietario de la fábrica, contrató a Elisha Otis y le encargó diseñar un sistema de seguridad para el montacargas y evitar daños en la mercancía de la fábrica.

EL ELEVADOR DE OTIS

El inventor estadounidense Elisha Otis, que había trabajado en la manufactura de carruajes y de armazones de camas, diseñó un novedoso sistema automático de seguridad anticaídas compuesto por rieles dentados que frenaban la plataforma en caso de que el cable de sujeción falle, el cual funcionó a la perfección en la fábrica de Mr. Newhouse.

Ilustración. Otis mostrando su invento en público.

En 1853, Otis presentó un prototipo en la Exposición de la Industria de Todas las Naciones de Nueva York. 

Se subió a una plataforma de madera cargada con varios objetos pesados, elevada a decenas de metros del suelo y sostenida en el aire por una soga, y dio la orden para que la cortaran con un hacha. La multitud casi no tuvo tiempo de gritar porque la plataforma se había detenido repentinamente. El inventor repitió en varias ocasiones y lugares esa demostración teatral hasta que convenció al mundo de que su artefacto era seguro.

Viendo las posibilidades de su invento, Otis creó una empresa a la que denominó “Otis Elevator Company”.

En 1857 se inauguró un ascensor de Otis Elevator Company, con el sistema de seguridad diseñado por Otis, en un centro comercial de la ciudad de Nueva York y fue un éxito.

Este invento revolucionario estaba impulsado por un motor de vapor y podía transportar hasta seis personas en una cabina a una velocidad de 10 metros por minuto, y contaba con un sistema de seguridad que evitaba que la cabina se desplomara. Ya se había resuelto el grave problema de inseguridad que impedía que los elevadores subieran y bajaran personas, ya su uso no quedaría limitado a carga.

En 1861, la Oficina de Patentes de Estados Unidos le concedió el registro a Otis Elevator Company por su "Aparato de elevación mejorado", y los elevadores Otis alcanzaron una gran popularidad. Ya no se trataban de simples y peligrosas plataformas para carga, eran cabinas decoradas al estilo de la época que podían subir y bajar personas con seguridad.

Tras esto, y con el comienzo de la revolución industrial en 1870, el sistema de Otis fue mejorando rápidamente y comenzaron a construirse edificios cada vez más altos. 

En 1913 empezaron a aparecer los primeros motores eléctricos para elevadores, sustituyendo los motores de vapor.

En1957 se aplicó un sistema de puertas automáticas en los ascensores de pasajeros, antes de esto, las puertas debían cerrarse y abrirse manualmente.

En la página web de Otis, explica cómo fue evolucionando el ascensor década tras década. Link aquí

POP ART ó ARTE POP

El arte pop, o “Pop Art” es una tendencia artística que surgido en Reino Unido y Estados Unidos a finales de 1950 como respuesta al expresionismo abstracto que imperaba en las artes plásticas de la época.

Es difícil determinar con certeza cuándo se habló de Pop Art por primera vez, se suele atribuir el nombre a miembros del Independent Group, un movimiento británico fundado en 1952 por un grupo de artistas del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (Institute of Contemporary Arts, ICA), cuyo objetivo era superar la visión modernista y debatir el impacto de la cultura de masas en el arte.

Eduardo Paolozzi.
I was a rich man's plaything. 1947

La obra “” “I was a rich man’s plaything” (Yo fui el juguete de un hombre rico) de 1947 por Eduardo Paolozzi, cofundador del Independent Group, se considera la primera obra del Pop Art.

Es un collage hecho con recortes de imágenes de revistas pegadas en un cartón.

Entre los principales nombres asociados al Pop Art figuran: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, Pauline Boty, Evelyne Axell, Keith Haring.

Inspirado en la cultura de masas, la vida cotidiana y el imaginario del consumo capitalista. Su estética se inspiró en el cómic y el cine. Es la manifestación plástica de una cultura que se caracteriza por el consumo vertiginoso, la tecnología, el ocio, el consumo, las modas, la democracia… Todo fabricado, empaquetado y listo para venderse de manera masiva, vertiginosa, repetitiva, estandarizada y anónima.

Se aleja del aspecto emocional y la búsqueda de lo inconsciente, para acercarse a la realidad más cotidiana y banal, que fue el principal objeto de su crítica.

El Pop Art no es un arte “popular”, pues no se plantea desde las costumbres, el folklore o el punto de vista tradicional de los pueblos. El término tiene que ver con la categoría estadounidense de lo “pop”, vinculada con la cultura de masas y la sociedad de consumo, la moda y la publicidad.

Refleja el efecto anestésico de la publicidad y el consumo en nuestra vida, alejándonos de los aspectos importantes, para embaucarnos en lo meramente banal.

Su auge dura aproximadamente hasta la década de los años 80.

“Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería buena idea darles.” Andy Warhol.

CARACTERÍSTICAS DEL POP ART:

- Uso de diversos materiales.

- Dejó de lado las premisas del expresionismo abstracto que predominaba en la escena artística de los años 50.

- Uso de la técnica del collage (que había sido introducida en la década de 1910 por el cubismo).

- Representación de cualquier objeto que fuera característico del consumismo. Por ejemplo, empleaban carteles, artículos publicitarios, latas de conserva, botellas, etc.

- Representar imágenes icónicas, como la celebridad de los artistas.

- Integración con la publicidad.

- En muchas de sus obras, se observa un efecto repetitivo, e incluso saturante. La repetición de imágenes y objetos es una característica común en el Pop Art: repetición y serialidad.

- Ironía y crítica social, despersonalización.Pretendía ser un espejo para que la sociedad de consumo de posguerra pudiera mirarse a sí misma

- Estilo visual llamativo.

Andy Warhol. Marilyn series. (Realizó mas de 50 obras basándose en esta imagen)

Andy Warhol. Serie de latas de sopas Campbell. 1962

Richard Hamilton. Swingeing London III. 1972

Richard Hamilton. ¿Qué es lo que hace que los hogares
sean diferentes?. 1954 

ART NOVEAU

Art Nouveau, significa “arte nuevo” en francés. Fue un movimiento artístico y decorativo internacional, desarrollado entre 1890 y 1914 aproximadamente. También se le conoce como “arte moderno”, pero no hay que confundirlo con el modernismo, que es la etapa de la historia del arte que va desde 1850 y 1950, aunque incluye al Art Nouveau, también incluye a todas las corrientes artísticas desde el impresionismo hasta el Pop Art.

Abarcó todas las artes, aunque se destacó especialmente en la arquitectura y las artes aplicadas.

Al igual que el movimiento Arts & Crafts, valoraba la naturaleza, pero aprovechó los materiales y técnicas disponibles en la era industrial para crear un estilo moderno.

Fue una reacción contra la predominación del historicismo (imitación de estilos antiguos como el neoclásico, neorrománico, neogótico, etc.) en las artes académicas, proponiendo un estilo moderno que aprovecha los materiales y técnicas disponibles en la Revolución industrial, alejándose del historicismo y acercándose más al realismo o al impresionismo.

La importancia de este movimiento reside en que fue el último en abocarse a la observación de la naturaleza y el primero en abrir un vínculo con la era industrial. Se considera la última corriente artística del siglo XIX y la primera del siglo XX, preparando la transición entre dos eras artísticas distintas.

CARACTERÍSTICAS DEL ART NOUVEAU:

- Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.).

- Los artistas observaban y estudiaban la naturaleza (tallos, las raíces, las formaciones rocosas, las osamentas, los caparazones, etc.) para usar sus principios formales y aplicarlos en las obras. De allí se originan las líneas, curvas, formas geométricas y orgánicas tan características del Art Nouveau.

- Uso de materiales y técnicas de la era industrial.

- Abundancia de composiciones armoniosas con elementos decorativos.

- Gusto por lo elegante, lo lujoso y lo exótico.

- Aportó valor estético a los objetos cotidianos, acercándose mucho más al usuario y llegando hasta elementos urbanos como farolas o las famosas estaciones de metro de Paris

 ART NOUVEAU EN LA ARQUITECTURA:

La arquitectura académica en el siglo XIX estaba dominada por el historicismo: estilos neoclásico, neorrománico, neogótico, neobizantino, etc. El Art Nouveau reaccionó contra eso y propuso un estilo urbano que se irradiara en todas las artes, acompañando los intereses y gustos de la Burguesía.

En la arquitectura proliferan los elementos decorativos u ornamentales, con líneas curvas, círculos concéntricos, y se inspira en distintas corrientes estéticas como el arte japonés, el arte hindú y el simbolismo. Las formas predominantes con formas sinuosas, asimétricas y con líneas curvas, con formas geométricas presentes en la naturaleza como las figuras hiperboloides, helicoides y paraboloides.

La asimetría permitía acentuar la sensación de dinamismo y ligereza con la que se interpretaban los tiempos modernos.

Los arquitectos aprovecharon los materiales nuevos o le dieron nuevo uso a los ya conocidos. Algunos materiales comunes en el Art Nouveau fueron el hierro, la cerámica, el vidrio, los cristales, la madera, entre otros.

Proliferan los elementos decorativos u ornamentales, a través de los cuales se procuran composiciones rítmicas y armoniosas. Los artistas aplicaron la línea en círculos concéntricos y, especialmente, el efecto coup de fouet. Este consiste en la ondulación de una larga línea que recuerda el golpe de un látigo.

Antonio Gaudi: detalle de la Casa Batló, Barcelona, 1906

Puerta del Castel Beranger, París

ART NOUVEAU EN EL DISEÑO GRÁFICO:

Los artistas y diseñadores del Art Nouveau valoraron las técnicas disponibles en la época industrial. Por ejemplo, la reproducción mecánica, la xilografía y el cartelismo.

El diseño recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina.

La ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía. Al ser un movimiento que buscaba adaptarse a la vida moderna, el estilo se extendió profusamente en las artes gráficas: en la ilustración de libros y revistas (incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los ex-libris), en el cartelismo (carteles, posters o afiches publicitarios) y en todo tipo de soportes: postales, paneles decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de imprenta.

La época coincidió con el al auge de las ilustraciones y del diseño gráfico, que representó una verdadera revolución en su tiempo.

Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales en las que la mujer se vuelve la protagonista mostrando una imagen puramente femenina.

Algunos de los artistas gráficos más notables fueron: Aubrey Beardsley,  Alfons Mucha, Charles Rennie Mackintosh (con el movimiento de Arts and Crafts), T. Privat-Livemont, Alexandre Steinlen, Koloman Moser y Franz von Stuck.

El pintor francés Toulouse Lautrec es considerado por algunos como “el padre del cartelismo”. Acostumbraba a ir a locales nocturnos de La Belle Époque parisina, y comenzó a hacer carteles para anunciar los eventos de esos cabarets y cafés (son famosos sus carteles para el Moulin Rouge).

Alexandre Steinlen. Cartel para Le Chat Noir. 1896

Toulouse Lautrec. Cartel para el Moulin Rouge. 1891

EL ART NOUVEAU EN LA PINTURA:

Se conoce también como pintura modernista. Coincidió generacionalmente con el postimpresionismo y se inspiró en la literatura simbolista, haciendo énfasis en la imaginación, lo onírico, lo extraño y lo artificial, y rechazó los temas históricos o cotidianos del arte academicista. También dieron espacio a la sensualidad y el erotismo.

Aunque en la pintura no había un estilo unificado, era común la presencia de contornos pronunciados, las líneas ondulantes y entrelazadas los motivos vegetales y el decorativismo.

Gustav klimt. El Beso. 1908

FIN DEL ART NOUVEAU:

Todo este fervor artístico llegó a su fin con la Primera Guerra Mundial. No se dejaron de crear carteles, pero se llenaron de propaganda política. Ahí fue el fin del modernismo, y el inicio del Art Decó.

NEOPLASTICISMO

El pintor neerlandés Piet Mondrián, pensó que el cubismo se había quedado corto por no haber desarrollado la abstracción pura, o como el la llamó la expresión de la plástica pura.

Mondrian eliminó todos los componentes de representación reduciendo las pinturas a sus elementos más primarios como lo eran las líneas rectas, las superficies planas, rectángulos y los colores primarios (rojo, amarillo y azul), combinados con los neutrales (negro, gris y blanco). A esto lo llamó “Neoplasticismo” en 1917.

CARACTERÍSTICAS DEL NEOPLASTICISMO:

- Preferencia por el uso de la línea recta, los planos, cubos y el ángulo recto, siendo el rectángulo una forma básica, que aparece en la mayoría de los cuadros.

- Presenta un planteamiento absolutamente racionalista, en donde prevalece lo elemental, eliminando lo accesorio.

- Empleo de colores primarios o neutros que reduce la complejidad del objeto representado en un número limitado de tonalidades disonantes entre sí.

- Ausencia de trazos diagonales y curvilíneos, en donde la belleza se percibía reduciendo las formas a una geometría simple.

- No intenta plasmar la realidad, solo se usan formas y colores básicos sin intentar representar nada.

- La pintura en el neoplasticismo se vale de una gama pequeña de contrastes y tonalidades que expresan formas equilibradas, sin simetría, separadas de los objetos reales.

- Búsqueda de la perfección y la armonía plástica, con una visualidad proporcionada y moderada.

- Con la renovación estética busca proporcionar un lenguaje plástico objetivo y universalidad en sus pinturas, de tal modo que pudiera tener significado para cualquiera que la vea.

Composición en rojo, amarillo y azul. Piet mondrián, 1921

NEOPLASTICISMO EN LA ARQUITECTURA

El Arquitecto Theo van Doesburg aplicó los conceptos neoplasticistas a la arquitectura a través del movimiento que fundó junto a Mondrian, llamado “De Stijl”

Caracteríasicas de la Arquitectura Neoplasticista:

- Nuevos elementos creativos. La luz, la función, los materiales, el volumen, el espacio y el color se convierten en elementos que pueden jugar un papel fundamental en el diseño.

- Desaparece lo monumental. La arquitectura Neoplasticista es una arquitectura de ligereza y transparencias, no de espacios monumentales.

- Comunicación entre el exterior e interior. Las paredes ya no sostienen, se han convertido en elementos de división que se pueden suprimir al ser independientes de la estructura. De ello resulta una nueva planta: una planta abierta; totalmente distinta de la del clasicismo, porque los espacios interiores y exteriores se comunican.

- Se suprime la simetría y la repetición monótona. Se propone: la relación equilibrada de partes desiguales; es decir, de las partes que son diferentes (en posición, medida, proporciones, etc.) por su carácter funcional.

- La importancia del color. El color es uno de los medios elementales para hacer visible la armonía de las relaciones arquitectónicas y el equilibrio de las formas. Al igual que en la pintura, solo se usan los colores primarios, el blanco y el negro.

Café de Unie, Rotterdam, por el Arq. Pieter Oud1925

DE STIJL

La palabra De Stijl viene del holandés y significa estilo.

Fue un movimiento holandés que comenzó en Ámsterdam, Holanda en 1917fundado por el pintor, escultor, arquitecto, tipógrafo, poeta, novelista, crítico y conferenciante neerlandés Theo van Doesburg.

Los principales miembros del grupo fueron los pintores Piet Mondrian, Vilmos Huszár y Bart van der Leck, y los arquitectos Gerrit Rietveld, Robert van Hoff y J. J. Oud. El trabajo del grupo estaba basado sobre la filosofía artística del neoplasticismo de Mondrián.

Mondrian estaba realizando sus primeros trabajos neoplasticistas, y Theo Van Doesburg compartía los principios austeros de Mondrian. Ambos fundaron en la ciudad de Leiden, la revista El Stijl, en 1917, medio de prensa del movimiento neoplasticista.

Entre 1918 y 1021 se publicaron los 3 manifiestos De Stijl  .

El movimiento De Stijl surgió en gran parte como respuesta a los horrores de la I Guerra Mundial y el deseo de rehacer la sociedad en sus consecuencias. Viendo el arte como un medio de redención social y espiritual, los miembros del estilo De Stijl adoptaron una visión utópica del arte y su potencial transformador.

Este estilo de arte del De Stijl, adoptó los elementos visuales del cubismo y el suprematismo. Los exponentes del arte De Stijl aspiraban a ser mucho más que meros artistas visuales.

 En esencia, el arte del De Stijl fue diseñado para abarcar una variedad de influencias artísticas y medios de comunicación aplicándose en la arquitectura, el urbanismo, el diseño industrial, la tipografía, la música y la poesía.

Theo van Doesburg impartió cursos paralelos en la Bahuaus sobre el “nuevo estilo”.

Características del movimiento De Stijl

- En la pintura buscaban una estética abstracta y minimalista centrada en los elementos visuales básicos tales como formas geométricas y colores primarios, con la Depuración de las formas hasta llegar a sus formas esenciales y fundamentales: líneas, planos y cubos.

- Buscaban leyes de equilibrio y armonía aplicables al arte y a la vida. Depuración de las formas hasta llegar a sus formas esenciales y fundamentales: líneas, planos y cubos.

- Un nuevo planeamiento totalmente racionalista.

- Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal.

- Coherencia Estética; que sea un movimiento inconfundible por lo que es necesario Un programa

- En la arquitectura planteaban configuraciones verticales u horizontales, siempre formando ángulos rectos. Se trabajan ritmos asimétricos pero con un gran sentido del equilibrio.

- Filosóficamente se trataba de un nuevo planeamiento totalmente racionalista

- Estructuración a base de armonía de líneas y planos rectangulares de color de diversas proporciones.

- Concepto de grande y chico, es decir, la oposición de contrarios trabajados con un sentido de equilibrio también

- Colores planos (sin graduación ni trabajo de luz y sombra), primarios: amarillo, azul y rojo, o tonales (neutros): blanco, negro y grises.

- Empleo de fondos claros.

Ruptura con Mondrian

Mientras desde el Neoplasticismo, las obras eran sólo líneas horizontales y verticales Theo van Doesburg introdujo la diagonal, para dar dinamismo. Sin embargo, Mondrian no estuvo de acuerdo, lo que lo llevó a separarse del estilo de De Stij.

Silla Roja y Azul. 1918

Casa Rietveld Schröder – projetada por  Gerrit Rietveld em 1924.

PAUL RAND

Paul Rand (1914-1996) fue un diseñador gráfico estadounidense considerado el pionero del diseño norteamericano.

Desde chico, empezó a hacer carteles y señales para la tienda de su padre y para su colegio. Estudió diseño en la Parsons The New School for Design en 1932 y en la Art Students League en 1933.

Influenciado por el estilo alemán de publicidad Sachplakat (cartel objeto) y las obras de Gustav Jensen, podemos definir su estilo como modernismo simple con un buen uso de la tipografía, las formas geométricas y los espacios en blanco.

Paul importó los movimientos del arte vanguardista en Europa al diseño gráfico de Estados Unidos, formando parte de la Escuela de Nueva York.

En los sesenta ya se había hecho consultor de diseño de grandes marcas y había creado algunas de las identidades corporativas más famosas de la historia del diseño: IBM, ABC, UPS, Enron, Next y muchas otras. Actualmente, todavía siguen vigentes muchos de sus logos.

El estilo de Paul Rand es sencillo, con gran preferencia por las líneas geométricas y muy marcado por las vanguardias artísticas del siglo XX.

Aunque sus logos pueden ser interpretados como demasiado simples, para Rand: “las ideas no necesitan ser esotéricas para ser originales o excitantes”. Sus diseños son el máximo exponente del minimalismo bien entendido, hecho para perdurar en el tiempo ajeno a modas pasajeras.

Creo su propio estudio de diseño en Nueva York y dio clases en la universidad de Yale.

LA ESCUELA DE NUEVA YORK

La ciudad de Nueva York se convierte a mediados del siglo XX en el centro cultural del mundo gracias a la importación de revistas europeas y la inmigración de talentosos diseñadores europeos que huían de la guerra y la opresión. Trajeron consigo una nueva ola de diseño moderno donde las nuevas formas, conceptos y novedades técnicas.

En paralelo a la Escuela Suiza, la Escuela de Nueva York se desarrolló en Estados Unidos durante la década de 1950 y aportó una nueva perspectiva al diseño gráfico. Esta escuela se caracterizó por su enfoque pragmático y su capacidad para combinar la creatividad con las demandas comerciales.

Este período de posguerra, se considera la era dorada de las revistas norteamericanas. Los diseñadores de este período se distinguieron principalmente por su positivo compromiso con el diseño informativo en la prensa popular. Se fusionaban las nociones vanguardistas de las corrientes europeas, con un gran sentido de expresividad y originalidad; en la diagramación de los contenidos.

Uno de los diseñadores más destacados de esta escuela fue Saul Bass, conocido por su trabajo en animación y diseño de títulos de películas. Bass revolucionó el diseño gráfico en el cine con su enfoque minimalista y su habilidad para comunicar conceptos complejos de manera visualmente impactante. Sus trabajos para películas como “Psicosis” y “Vértigo” son ejemplos clásicos de cómo el diseño gráfico puede transformar la experiencia cinematográfica.

En los libros, carteles, folletos y revistas, se implementaban diversos niveles de información visual (tipografía, textos, elementos artísticos expresivos) integrados en la puesta en página. Se enfatizaba en el las relaciones expresivas de los elementos del contenido, buscando la unidad entre las imágenes y el texto, programando la diagramación secuencial de las páginas y la unidad estilística global de toda la publicación.

De este modo, el producto editorial logrado era un todo coherente; manteniendo su clima visual-conceptual desde la tapa y a través de todas sus páginas. Subyace entonces, la noción de sistema de identidad visual editorial

Los principios de esta corriente fueron establecidos en 1947, por Eugene Ettenmerg, en su obra "Tipografía para libros y anuncios". Sugiere la aplicación de los siguientes recursos visuales:

1- Textura: Usada para evocar sensaciones táctiles, por medio de la imagen.

2- Yuxtaposición: Combinando diversas tipologías de ilustración.

3-  Color: Vinculando áreas específicas a través de la paleta cromática. Haciendo uso de la cualidad semántica del color.

4- Efectos visuales: Trucos gráficos, como ilusiones ópticas, juegos de luces y sombras, direccionalidades sofisticadas, collages y cambios contrastados de encuadres y escalas.

5- Montajes: Generando ilusión visual por proximidad o distancia, evocando un efecto de perspectiva. Recortando y pegando elementos, sobre entornos de ficción, dotándolos de un clima sorpresivo y atrayente.

6- Movimiento direccional: Aplicado para crear acción (concepto relativo a "contar historias" sobre las páginas de manera vívida y dinámica), tensiones, o reposo. Ofreciendo balance o quebrando el equilibrio. Las composiciones asimétricas proponen movimiento y articulación del tránsito de lectura.

A finales de los años 60', el fructífero desarrollo editorial se vio sucumbido por problemas económicos. Al mismo tiempo por las inquietudes de la Guerra de Vietnam, los problemas ambientales y los derechos de las minorías sociales.

Cartel de la película "No Way Out" por Paul Rand en 1950

A continuación varios ejemplos de publicaciones de la época:

LA ESCUELA SUIZA

La Escuela Suiza, también conocida como el estilo internacional. Es un estilo tipográfico y de diseño gráfico, que surgió en la década de 1950 en Suiza, y se mantuvo vigente por aproximadamente 20 años.

Durante la 2° Guerra Mundial, como Suiza fue neutral durante el conflicto, los diseñadores suizos de la época pudieron desarrollar las teorías tipográficas avanzadas previamente por la Bauhaus.

Se caracterizó por el uso de tipografías Sans Serif como Helvetica y Univers, la organización asimétrica de elementos sobre una cuadrícula, y la presentación clara e imparcial de la información visual y verbal. Dos diseñadores clave fueron Théo Ballmer, quien empleaba cuadrículas, y Max Bill, cuyas composiciones usaban elementos geométricos básicos. Se usaba una paleta de colores limitada, que, junto a la geometría, permitía diseños claros y coherentes.

La Escuela Suiza tuvo un impacto duradero en el diseño editorial y de carteles, estableciendo estándares que aún se aplican en la actualidad. Su influencia se extendió globalmente, influyendo en diseñadores y movimientos en todo el mundo.

EL LISITSKI

 

Lázar Márkovich Lisitski (1890 - 1941), conocido como El Lissitzky, fue un artista, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo y arquitecto ruso que dominó (y transgredió) casi todas las disciplinas artísticas.

A diferencia de la mayoría de sus compañeros, no colaboró con el régimen de Stalin durante su juventud.

En 1919 ya estaba dando clases de arte, impresión y arquitectura y comenzó a ser un agresivo militante del suprematismo ayudando a desarrollar más el movimiento. Suyos son los “Proun”, según palabras del artista, “un estado intermedio entre la pintura y la arquitectura”.

Pasó una temporada en Berlín donde dejó huella e infectó con la abstracción revolucionaria soviética a media Europa que después desarrollaría la Bauhaus y el movimiento De Stijl.

También se interesó por los medios impresos y empezó a diseñar libros y periódicos introduciendo innovaciones radicales en tipografía y fotomontaje. Veía a sus diseños como objetos poderosos que podían cambiar el designio de la historia.

Hasta sus últimos años de vida, no dejó por un momento de experimentar, a veces sorteando la censura cada vez más férrea del régimen totalitario estalinista que solo quería producir un tipo de arte: el realismo socialista.

Experimentó con técnicas de producción y recursos estilísticos que posteriormente dominaron el diseño gráfico del siglo XX.

TSCHICHOLD, HERBERT BAYER

Tschichold, Herbert Bayer, (1900-1985) fue un diseñador gráfico, pintor, fotógrafo y arquitecto austriaco que fue el primer profesor de diseño en la Bauhaus. (Ver mas sobre la Bauhaus aquí)

Estudió 4 años en la Bauhaus y luego fue nombrado por Walter Gropius (el Director de la Bauhaus) como director de impresión y publicidad.

Esta escuela estuvo activa en tres ciudades alemanas: en Weimar de 1919 a 1925, en Dessau de 1925 a 1932 y en Berlín de 1932 a 1933. La etapa de Dessau, bajo la batuta de Walter Gropius, representa la máxima expresión de los valores y de la filosofía de la Bauhaus. Uno de sus primeros productos centrados en la tipografía fue la primera portada del catálogo para la exposición de la escuela de 1923

Primera portada del catálogo de la Bauhaus. 
1923

Luego, fue nombrado profesor en la Bauhaus, nombrado profesor. Con la reforma del plan de estudios, se introdujo un laboratorio de tipografía y diseño gráfico, bajo la responsabilidad de Bayer.

En 1925, Walter Gropius le encargó el diseño de una tipografía para aplicarla a todas las publicaciones de la Bauhaus. Siguiendo el planteamiento funcionalista, Bayer diseñó un “carácter idealista” denominado Carácter Universal.

Según Bayer, no solo no era necesario añadirle gracias, sino tampoco letras mayúsculas. En efecto, el carácter solo contempla letras minúsculas, rompiendo la tradición de varios siglos. Este carácter fue apreciado por Gropius.

Carácter Universal. 1925

Herbert Bayer fue el diseñador que mejor expresó los valores de la Bauhaus en el campo de la tipografía. El Carácter Universal representa un interesante experimento que lleva al extremo estos valores y pone la función por encima de la forma.

LÁSZLÓ MOHOLY-NAGY

László Moholy-Nagy (Moholy-Nagy László) (1895- 1946)

Fue pintor, fotógrafo, escultor, diseñador y cineasta,nacido en Hungría y de nacionalidad estadounidense.F ue una de las figuras más versátiles de la vanguardia del siglo XX.

Durante su juventud en Budapest se relacionó con el grupo de artistas vinculados y sus composiciones adoptaron formas cubistas y futuristas. En 1919 huyó de su país y se estableció en Berlín. Allí conoció a algunos miembros vinculados al dadaísmo a y las vanguardias rusas y en 1921 publicó un artículo en la revista De Stijl, (revista que promulgaba la integración de las artes, ver Movimiento De Stijl). La intensa actividad artística se reflejó en sus nuevas composiciones abstractas, collages y fotomontajes, defendió con pasión la idea de que el arte debía desarrollarse a partir de los materiales propios de su tiempo. Se le considera uno de los pioneros de la abstracción.

Desde 1923 Moholy-Nagy estuvo vinculado a la Bauhaus de Weimar, donde relevó a Johannes Itten como director del curso preliminar y asumió también la dirección de su taller de metales. En este periodo compaginó la docencia y la escritura con el diseño de objetos cotidianos y la fotografía. En su opinión, todo ciudadano podía ser creativo educando a sus sentidos precisamente a partir de juegos lumínicos, de transparencias y de movimiento y utilizando materiales cotidianos. (Ver mas sobre la Bauhaus aquí)

Su espíritu comunicativo dotó al concepto de escultura de movimiento y apertura, redefiniendo la relación entre espacio, tiempo, material y luz y convirtiendo el objeto mecánico en objeto artístico. Experimentador infatigable, Moholy investigó muy a fondo las posibilidades de la luz y la transparencia en el medio óptico usando fotografamas y, desde el inicio de los años veinte, mediante esculturas brillantes de piedra, vidrio, acero y aleaciones de zinc y níquel.

En 1937, a Chicago. Allí tuvo la oportunidad de convertirse en el director de la New Bauhaus, de la cual fue cofundador y que abrió sus puertas a finales de ese mismo año. En 1939 crearía una nueva escuela en Illinois, la School of Design, con los mismos profesores que en la New Bauhaus, y que en 1944, tras obtener el rango universitario, pasó a llamarse Institute of Design.

Legado:

Fue una figura relevante en el arte del siglo XX gracias a sus experimentos con la luz y el tiempo en sus fotogramas y en sus películas. Su estudio de los fenómenos lumínicos tuvo una importante difusión gracias a su labor docente, primero en Europa y después en Estados Unidos.

Fue profesor y director de la new Bauhaus en estados unidos y fundó institutos de diseño, convirtiéndose en un profesor muy influyente.