La composición es la manera en que el artista organiza en su obra los elementos que está representando, para obtener una unidad visualmente armónica.
COMPOSICIÓN
EN LA PREHISTORIA
La verdadera
composición artística nace con la arquitectura: cuando dejaron de ser nómadas y
comenzaron a construir casas y templos, entonces los primeros artistas tuvieron
que poner límites espaciales claros a sus obras, así es como nace la idea de
formato: una superficie con dimensiones definidas dentro de la cual el artista
debe distribuir las formas de manera armónica.
COMPOSICIÓN
EGIPCIA
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| Cuadrícula egipcia |
Para esto,
idearon un sistema que consistía en una cuadrícula: la composición pictórica de
los egipcios tiene un sistema de proporciones basado en la cuadrícula, cuya
medida básica era “el puño” (distancia entre los nudillos y la muñeca), también
manejaban el “codo pequeño” (cuatro puños) y el “codo real” (cinco puños).
Con estas
cuadriculas, no solo lograban representar la figura humana con proporciones
adecuadas, sino distribuir las formas en el formato del muro donde estaban
trabajando.
COMPOSICIÓN
GRIEGA Y ROMANA
La pintura griega
que actualmente queda disponible para su estudio, en su mayoría está conformada
por frescos en los muros de las construcciones y decoración sobre cerámica.
Las composiciones
griegas eran sólidas y centradas. El canon de 7 u 8 cabezas para la estatura de
un hombre, se aplicó principalmente a la escultura. En la pintura, se guiaron
por ese canon, pero no de manera tan rígida como la retícula de los egipcios.
Los romanos
fueron grandes admiradores y continuadores del arte griego. Buscaba expresar el
mayor realismo posible. Para lograr la proporción, usaron el canon griego de 8
cabezas para la estatura en la representación de la figura humana. En sus
composiciones buscaban ocupar toda el área disponible.
Las composiciones
responden a un ritmo esquemático repetitivo de figuras estilizadas. Todas las
representaciones eran religiosas.
Para conseguir
armonía, los rostros de Cristo y los santos representados, estaban coronados por un halo que incluía compositivamente otros
círculos concéntricos en su interior, correspondientes al cabello y al rostro
de la figura.
COMOPSICIÓN GOTICA
Cada
escena posee su propia unidad espacial. Se trata de una serie de composiciones
menores subordinadas a una gran composición central.
El
objetivo no es conseguir realismo sino facilitar al espectador la comprensión
de los episodios.
En cada escena predominan fondos dorados, ornamentos y colores fuertes.
COMPOSICIÓN DE LA ESCUELA MONGOLA
Las
miniaturas se desarrollan a manera de tapiz, consisten en varios episodios en
donde el detallismo, la idea que se quiere representar y la brillantez de los
colores es lo mas importante. No hay pretensiones realistas en la
representación del volumen, la luz y el sombreado.
Todo el espacio disponible se ocupa con la figura central y se complementa con detalles decorativos
COMPOSICIÓN EN LA INDIA
A partir del año
1526 se instaura la Dinastía Mongola. De esta época, son características las
miniaturas mongolas realizadas a principios del siglo XVIII, en las que se
muestra una sorprendente habilidad técnica para la minuciosidad en el dibujo y
cuidado del detalle. La representación del espacio y profundidad no tiene
importancia.
COMPOSICIÓN EN CHINA
Aunque los temas
y formatos usados eran muy variados, generalmente la composición china
distribuye equilibradamente en el área disponible las partes densas y los vacíos.
Para los pintores chinos, los vacíos tenían gran importancia en las
composiciones, al distribuir en el formato los vacíos con áreas densas,
lograban equilibrio visual.
COMPOSICIÓN
JAPONESA
La composición
tradicional japonesa se trata de formatos largos y apaisados que desarrollan
narraciones. Consiste en una continuidad de escenas que siguen el orden de los
acontecimientos.
COMPOSICIÓN
RENACENTISTA
Para representar
la figura humana, es muy común la composición piramidal que consiste en un esquema
triangular cuya base ocupa todo el lado inferior del formato. Es una
composición firme y sólida, la mayoría de los retratos de Rafael, están basados
en este esquema
El número de oro,
y la proporción aurea ya era conocido desde la antigüedad, pero durante el
renacimiento, los artistas comienzan a usarlo sistemáticamente como método de
distribución de las formas en el cuadro para garantizar armonía y coherencia en
el conjunto.
El rigor geométrico
de este principio se combina con la perspectiva matemática para producir obras
de supremo equilibrio y perfección compositiva.
Los artistas
romanos y florentinos renacentistas componían mediante líneas bien definidas
que encerraban y aislaban perfectamente las formas.
En Venecia se dio
una escuela de coloristas, que componían mediante el encaje de diferentes masas
de color en una unidad cromática que fundía todo el conjunto.
COMPOSICIÓN
BARROCA
La composición barroca típica, se desarrolla a partir de una o varias diagonales que cruzan el lienzo de lado a lado; así como curvas, contracurvas y espirales, con los consiguientes efectos de inestabilidad y fugacidad. Los pintores trazaban las diagonales o curvas en el lienzo, para dibujar las figuras a lo largo de ellas.
El escorzo es
otra de las grandes aportaciones del Barroco. Es el arte de representar figuras
vistas en un sentido perpendicular u oblicuo al plano del lienzo, con la
consecuente disminución de proporciones que reclama la perspectiva; con esto,
los artistas representaban profundidad y tridimensionalidad sin tener que
recurrir a la perspectiva científica. Los escorzos permiten soluciones
compositivas atrevidas que producen resultados espectaculares.
LA
COMPOSICIÓN MODERNA
Las composiciones
impresionistas carecen de complejidad lineal o estructural: nada de cálculos de
puntos de fuga, escorzos, puntos de vista sorprendentes o claroscuros. La
composición está en la realidad: en el paisaje, figura o naturaleza muerta que
se quiera representar.
El
desencuadre
La evolución de
la fotografía en esa época, ofreció a los artistas una nueva manera de ver la
realidad. Aquellas cámaras no permitían ver el color, pero daban unas imágenes
con una espontaneidad que nunca se hubieran planteado los pintores por si
mismos: el desencuadre.
Al ver en las
fotografías primeros planos sorprendentes, o figuras cortadas por los márgenes,
los pintores se dieron cuenta que, para animar y dar frescura a sus
composiciones, no hacía falta complicados cálculos geométricos o métodos
académicos. Bastaba con desencuadrar la escena.
Los desencuadres
son una forma de componer que requiere mas sensibilidad que el encuadre
convencional, porque el pintor debe equilibrar entre si los volúmenes, los
llenos y vacíos que se reparten al azar sobre el lienzo, atendiendo a su peso
visual y no a su importancia temática.
Los seguidores de
los pintores impresionistas, se centraron en la expresión por medio del color,
componiendo sus cuadros a base de manchas de color puro.
Composición
plana
Los seguidores de los pintores impresionistas, se centraron en la expresión
por medio del color, componiendo sus cuadros a base de manchas de color puro, sin sombras ni matizaciones. La
composición fue tomando cada vez mas una armonía puramente estética y lo
representativo perdió importancia. Esto desembocó en los experimentos
vanguardistas del arte abstracto.
Las soluciones
compositivas modernas, pueden estudiarse mejor en un cuadro cubista que en uno
realista. Esto se debe a que las líneas de la composición permaneces visibles.
El pintor descompone mentalmente los objetos en sus aspectos mas reconocibles,
tomados desde diferentes puntos de vista y los vuelve a organizar en el lienzo
según un esquema compositivo arbitrario, no realista. A partir de estos
elementos pinta el objeto siguiendo líneas compositivas elegidas por razones
estéticas, no representativas. Busca los contrastes entre lo plano y lo
volumétrico, lo recto y lo curvo, hasta realizar un objeto análogo al real pero
independiente como creación estética.
El cubismo desarrolla
composiciones esencialmente formales, basadas en el juego armónico de formas y
colores, extraídos de la realidad, pero organizados de manera diferente.
Este es el mismo
principio compositivo del arte abstracto, con la diferencia que éste último, no
incorpora formas reconocibles, y está enteramente basado en el juego
compositivo de colores y formas.
